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La artista crea autohibridaciones en homenaje a mujeres de la historia a las que admira porque defendieron las causas que ORLAN apoya en su vida y en su obra. Cas mujeres pioneras que allanaron el camino a otras mujeres asumieron riesgos que a veces les costaron la vida. Suchas veces olvidadas, borradas o infrarrepresentadas, ORLAN las devuelve a la palestra con esta serie. Como de costumbre, la artista rompe los muros de hielo entre prácticas artísticas, géneros, épocas y colores de piel. CEste gesto de hibridación con la otra le permite, en toda sororidad, darles un beso de artista y crear un encuentro entre mujeres a pesar de las brumas del tiempo que las separan. En referencia a los grandes retratos históricos, ORLAN imprime los fotomontajes digitales de estos artistas sobre lienzo tensado y enmarcado.

(Trabajo en curso, otras imágenes están en producción)

Artista español huérfano de madre prostituta y heroinómana que le abandonó al nacer, cuestiona esta carencia y ausencia en su obra. Abel Azcona ha creado un nuevo protocolo en el que invita a mujeres destacadas del mundo del arte que le han inspirado a hacer una serie de fotos a dúo. No sustituyen a su madre, sino que representan una guía, un punto de referencia femenino fuerte y emancipador. También es un homenaje a las madres de la interpretación. Dos generaciones se encuentran, los artistas históricos y la nueva generación. Abel Azcona inició esta serie en Ámsterdam con Marina Abramovic, y ahora la continúa en París con ORLAN.

Para celebrarlo, ORLAN ha creado “El elefante del bosque africano en vías de desaparición y nuevos robots en objetos y materiales reciclados”. Esta obra es una continuación del cuestionamiento que el artista hace de los animales en peligro de extinción, con la particularidad de que el elefante está hibridizado con la piel de un leopardo y un lagarto.

“La marroquinería nos devuelve a lo que llamamos “la mano bonita”, pero también a los bolsos de cuero o piel de animal (lagarto, cocodrilo…). Actualmente estamos estudiando todos los materiales que utilizamos, ya sean naturales o artificiales, y su huella de carbono. Mi obra cuestiona la desaparición de ciertos animales y aves. Presento a estos animales que hibrido con otros en su entorno natural rodeados de robots. Los robots están fabricados con objetos reciclados. Están ahí para cuestionar las nuevas tecnologías que pueden destruir o construir un mundo más responsable. “ORLAN

En estas fotos, ORLAN ha recreado los materiales y texturas utilizados por los artistas desconocidos que inspiraron su proceso creativo. Son cuerpos mutantes que emergen de la tierra, de la piedra o del jade, muchos de ellos verdes, otros rojos, simbolizando la importancia de la sangre y del sol para los mayas. Aparecen el amarillo del maíz, el marrón de la tierra, el gris de la piedra. Hay un encuentro entre dos materialidades, los materiales concretos y los píxeles digitales que ORLAN utiliza e inyecta en sus obras. La hibridación que más se emancipa de la iconografía maya es la de piedra de jade: una máscara de una figura antropomorfa que saca la lengua y es la gran estrella del museo. ORLAN introdujo sus ojos, su lengua y su peluca azul.
La estatuaria maya, predominantemente masculina, se ha feminizado con el rostro de ORLAN, y cada retrato tiene una edad diferente.

ORLAN decidió ver qué ocurría haciendo lo mismo al otro lado de la humanidad, reproduciendo la obra, incluidas sus dimensiones y encuadre, en forma fotográfica. Allí presentó a Jean-Christophe Bouvet, actor que había actuado en “Sous le soleil de Satan” con Gérard Depardieu, con la polla,  de tamaño medio, erecta. ORLAN lo describe como “la cola del diablo”. 

Esta respuesta feminista cuestiona el papel de los hombres y las mujeres en nuestra sociedad y cómo están representados.

En 2022, a la vista de los acontecimientos actuales, ORLAN produjo una segunda versión de“El origen de la guerra“, treinta años después de la primera, utilizando un nuevo modelo.

Estos robots, hechos de objetos reciclados y con el rostro de ORLAN, pueden verse de dos maneras: como destructores y símbolos de un futuro temible, o como protectores, al lado del animal, acompañando a los últimos supervivientes de su especie hacia un futuro repensado. Los robots y las nuevas tecnologías cuestionan el vínculo entre los reinos animal y humano. Al igual que estas especies abandonadas a su inexorable desaparición, los robots así construidos son reutilizaciones de la modernidad, compuestos por objetos obsoletos, abandonados y depreciados que ORLAN recicla para revalorizarlos y crear con humor.

Parte de la serie adopta la forma de tapices luminosos impresos en fibra óptica, alimentados por un sistema de rieles LED. Se han fabricado con tecnología desarrollada por brochier® technologies.

ORLAN crea collages digitales muy abruptos en los que inserta fragmentos de su cara: los ojos desorbitados, los ojos torcidos, la oreja al revés y la boca gritando, mostrando los dientes dispuestos a morder para que su ira se exprese en la obra. Esta es una instantánea de esa toma de conciencia. ORLAN no juzga a Pablo Picasso ni a Dora Maar, que ya no pueden defenderse, sino que se dirige a las mujeres de hoy que permanecen en la sombra: las inspiradoras, las modelos, las musas que desempeñaron un papel fundamental en la fama de nuestros grandes maestros. Es un incentivo para la emancipación. ORLAN les dice “dejad de ser objetos, convertíos en sujetos. Emancipaos, dejad de sufrir, dejad de llorar”.

A ORLAN le escanearon el cuerpo y luego lo articularon para que pudiera realizar todas las acrobacias de la Ópera de Pekín. Con un cuerpo artificial, todas las distorsiones son concebibles; con un cuerpo biológico son imposibles. 

ORLAN ha vestido sus avatares y les ha añadido tatuajes que repiten los mismos motivos de la fotografía hibridada. Cada obra de arte tiene un avatar diferente que sale del marco de la obra si te descargas la aplicación ARTI VIVE y escaneas la obra de arte con ella. 

Así podrás hacerte fotos con tus amigos y tu avatar, y enviarlas a todo el mundo como cualquier otro selfie.

En sus diarios de viaje, pintó a los nativos con respeto, en una época en que se les consideraba salvajes sucios e incultos. Los pintó en toda su magnificencia, con sus ropas ceremoniales, sus joyas y sus soberbias plumas. ORLAN utilizó estas pinturas y dibujos como base para su serie Self-hybridations amérindiennes. Por supuesto, infringió sus leyes, porque era imposible que una mujer fuera líder. ORLAN se representa con joyas prohibidas a las mujeres, en particular las fabricadas con garras de oso.

Se trata de una serie de fotografías en blanco y negro basadas en fotografías etnográficas, las primeras en las que se fotografía al Otro. ORLAN también ha realizado varias obras en color, así como esculturas en resina de personajes mutantes, expuestas especialmente en la Bienal de Arte Contemporáneo de Lyon en 1999: “Partage d’exotismes”, comisariada por Jean-Hubert Martin.

En su serie, ORLAN crea una obra manifiesta “Femme Surmas avec Labret et Visage de Femme Euro-Stéphanoise avec bigoudis” (Mujer Surmas con Labret y Rostro de Mujer Euro-Stephanoise con Rizos) que demuestra que la belleza es sólo una cuestión de la ideología dominante en un lugar histórico y geográfico. 

ORLAN presenta a una mujer con un enorme labio, muy confiada y segura de su capacidad de seducción, porque en su tribu, cuanto más grande es el labio, más deseable es la mujer. Si lleváramos un labret aquí y ahora, en nuestra cultura occidental, ¡todos nos tacharían de monstruos imbatibles!

Su viaje a la India formaba parte de “le plan du film”, una serie de trabajos basados en una cita de Jean-Luc Godard: “Lo único grande de Montparnasse 19, de Jacques Becker, es que no sólo es una película al revés, sino en cierto modo la otra cara del cine”. El concepto era tomar a Godard al pie de la letra, crear una película al revés, empezando por el cartel y la promoción con el tráiler, letrillas, una banda sonora y un programa de televisión para lanzar el largometraje. ORLAN recurrió a una agencia de publicidad, Publidécor, especializada en carteles de cine pintados de los años 50, y trabajó con ellos para crear catorce carteles pintados a partir de fotos del artista y fotos de obras recicladas. Su intención con estos carteles, pintados a mano en acrílico sobre lienzos de 3 m x 2 m, era contar la historia de su vida a través del arte. ORLAN hizo los carteles utilizando los nombres de sus amigos del mundo del arte de la época, y uno o dos nombres de estrellas de cine para hacer creer a la gente que la película existía. También organizó una rueda de prensa falsa con el director Bigas Luna y el comisario Lorand Hegyi para una bienal en Valencia. Invitó a varios periodistas a hablar de una película que había hecho y que en realidad no existía.

En otras, posa con uno o varios ballets multicolores en gestos dinámicos, y en la última se escenifica a sí misma con vendajes postoperatorios y moratones falsos.

La instalación de la obra, inspirada en Art and Discontent-Theory at the Millennium, de Thomas McEvilley, incluye un detector de movimiento que activa una grabación de ORLAN repitiendo la frase “¿Desea algo de contenido, Sr. Greenberg?

Para su primera serie, la artista hibrida con las culturas precolombinas, produciendo más de treinta obras, algunas de ellas inspiradas en las deformaciones craneales encontradas entre los precolombinos, africanos, egipcios y ¡merovingios! Así lo atestigua la Vierge à l’Enfant (Virgen con el Niño) de Rabastens, que muestra tanto a la Virgen como al Niño con el cráneo deformado y alargado. 

En su obra, ORLAN ha tratado de romper con las referencias y estereotipos occidentales de belleza creando esta primera serie mediante fotografía digital y videoinstalaciones interactivas en 3D basadas en las deformidades craneales, los bizcos, las narices postizas conocidas por mayas, olmecas y aztecas, y las representaciones del dios Xipe Tótec.

La exposición “Exogène”, creada por Bruno Guiganti y Morten Salling, tomó la forma de una investigación criminal y una búsqueda de identidad en varias partes. Las obras creadas por ORLAN con su sangre y su carne se han enviado a , la policía científica danesa, para que las secuencie y compruebe si han sido creadas por el mismo artista. El análisis de secuenciación demostró que, efectivamente, habían sido producidos por ORLAN. Estas obras eran un relicario con carne en el centro y un San suaires empapado en la sangre de ORLAN.

Esta ficción dentro de la ficción se ha extendido por toda la ciudad de Copenhague. A continuación, se colocaron por toda la ciudad carteles de “Se busca” en los que aparecía ORLAN, y un cráneo supuestamente encontrado en el centro de arte se entregó al departamento de investigación criminal para averiguar si podría pertenecerle.

Las huellas de esta investigación (obras de ORLAN, huellas dactilares, secuenciación de ADN, avisos de búsqueda, cráneos, etc.) se expusieron después en la profanada iglesia de Nikolaj, transformada en centro de arte.

LA RÉINCARNATION DE SAINTE-ORLAN OU IMAGES NOUVELLES-IMAGES DITES OPÉRATIONS-CHIRURGICALES-PERFORMANCES, es una serie de 9 performances creadas por ORLAN entre 1990 y 1993 en París, Bruselas y Nueva York. ORLAN creó esta serie para desviar a la cirugía de sus hábitos de mejora y rejuvenecimiento, y realizar operaciones quirúrgicas que no debían aportar belleza, sino fealdad, monstruosidad e indestructibilidad. 

La idea central de estas operaciones quirúrgicas era luchar contra los estereotipos y los modelos. ORLAN no está en contra de la cirugía estética, sino de lo que hacemos de ella. Utiliza esta técnica para inventar el amor propio atacando la máscara de lo innato. La primera condición con los diferentes cirujanos fue que no hubiera dolor, porque ORLAN está a favor del Cuerpo-Placer. Para cada actuación, ORLAN decoraba el quirófano, que se convertía así en su estudio de artista. Al igual que todo el personal médico, se vistió con trajes de un diseñador de renombre que trabajó en colaboración con la artista. Las actuaciones estaban orquestadas por lecturas, y cuando el procedimiento quirúrgico lo permitía, ORLAN producía imágenes, películas, vídeos, fotos, dibujos con su sangre y sus dedos, relicarios con su grasa y su carne, una especie de “sábana santa” hecha con su sangre seca y las gasas médicas de la operación sobre las que hacía transferencias fotográficas, y objetos que luego se exponían en museos y galerías.

LA RÉINCARNATION DE SAINTE-ORLAN OU IMAGES NOUVELLES-IMAGES DITES OPÉRATIONS-CHIRURGICALES-PERFORMANCES, es una serie de 9 performances creadas por ORLAN entre 1990 y 1993 en París, Bruselas y Nueva York. ORLAN creó esta serie para desviar a la cirugía de sus hábitos de mejora y rejuvenecimiento, y realizar operaciones quirúrgicas que no debían aportar belleza, sino fealdad, monstruosidad e indestructibilidad. 

La idea central de estas operaciones quirúrgicas era luchar contra los estereotipos y los modelos. ORLAN no está en contra de la cirugía estética, sino de lo que hacemos de ella. Utiliza esta técnica para inventar el amor propio atacando la máscara de lo innato. La primera condición con los diferentes cirujanos fue que no hubiera dolor, porque ORLAN está a favor del Cuerpo-Placer. Para cada actuación, ORLAN decoraba el quirófano, que se convertía así en su estudio de artista. Al igual que todo el personal médico, se vistió con trajes de un diseñador de renombre que trabajó en colaboración con la artista. Las actuaciones estaban orquestadas por lecturas, y cuando el procedimiento quirúrgico lo permitía, ORLAN producía imágenes, películas, vídeos, fotos, dibujos con su sangre y sus dedos, relicarios con su grasa y su carne, una especie de “sábana santa” hecha con su sangre seca y las gasas médicas de la operación sobre las que hacía transferencias fotográficas, y objetos que luego se exponían en museos y galerías.

ORLAN ha tomado “el intermedio”, es decir: la imagen exacta del entorno concebida a partir de su rostro hibridado con un retrato de sus figuras de referencia en la Historia del Arte, sin retocar.

En la parte superior, al otro lado del díptico, ORLAN colocaba cada día, mediante imanes, la imagen del día, un autorretrato realizado por las MÁQUINAS-CORPOS, de un rostro primero con vendas, luego con colores: del azul al amarillo pasando por el rojo; el conjunto bastante hinchado. Entre estas dos imágenes había una placa de metal grabada con las palabras: entre-deux y la fecha del día.

El último día, la instalación estaba terminada, al igual que la exposición.

LA RÉINCARNATION DE SAINTE-ORLAN OU IMAGES NOUVELLES-IMAGES DITES OPÉRATIONS-CHIRURGICALES-PERFORMANCES, es una serie de 9 performances creadas por ORLAN entre 1990 y 1993 en París, Bruselas y Nueva York. ORLAN creó esta serie para desviar a la cirugía de sus hábitos de mejora y rejuvenecimiento, y realizar operaciones quirúrgicas que no debían aportar belleza, sino fealdad, monstruosidad e indestructibilidad. 

La idea central de estas operaciones quirúrgicas era luchar contra los estereotipos y los modelos. ORLAN no está en contra de la cirugía estética, sino de lo que hacemos de ella. Utiliza esta técnica para inventar el amor propio atacando la máscara de lo innato. La primera condición con los diferentes cirujanos fue que no hubiera dolor, porque ORLAN está a favor del Cuerpo-Placer. Para cada actuación, ORLAN decoraba el quirófano, que se convertía así en su estudio de artista. Al igual que todo el personal médico, se vistió con trajes de un diseñador de renombre que trabajó en colaboración con la artista. Las actuaciones estaban orquestadas por lecturas, y cuando el procedimiento quirúrgico lo permitía, ORLAN producía imágenes, películas, vídeos, fotos, dibujos con su sangre y sus dedos, relicarios con su grasa y su carne, una especie de “sábana santa” hecha con su sangre seca y las gasas médicas de la operación sobre las que hacía transferencias fotográficas, y objetos que luego se exponían en museos y galerías.

Entre el equipo médico y el de STUDIO ORLAN, había una mujer especializada en lenguaje de signos para sordos y duros de oído, y este personaje estaba allí para recordarnos que todos somos sordos y duros de oído en determinados momentos. Su presencia en el quirófano era una exhibición de lenguaje corporal. Contó con la ayuda de Raphaël Cuir, el videoartista Tom Klinkowstein, que se encargó de la transmisión vía satélite, Sophie Thompson, que se encargó de la traducción al inglés, y la famosa locutora estrella de la época, Connie Chung, que pidió estar en el quirófano con ORLAN y realizó un reportaje completo en las noticias de la noche de la CNN a las 8 de la tarde. Vino a Francia para asistir a la boda de ORLAN con Raphaël Cuir en Sologne. 

Durante esta legendaria operación, ORLAN se sometió a implantes de silicona sólida, normalmente colocados en los pómulos, para realzarlos a ambos lados de la frente. Se trataba de llevar a cabo una operación que no debía aportar belleza sino, por el contrario, indeseabilidad y monstruosidad. ORLAN quería demostrar que la belleza es un dictado de la ideología dominante en un momento geográfico e histórico determinado. Estas protuberancias se han convertido en órganos de seducción. ORLAN dice “es mi descapotable”. 

Gracias a Christian Vanderborght, esta actuación se retransmitió en directo vía satélite al Centre Georges Pompidou de París, al Mac Luhan Centre de Toronto, al Banff Multimedia Centre, a Alemania, Canadá, Bélgica, Letonia, Japón, Países Bajos, Nueva York, Santa Mónica y, en Francia, a Niza y Lyon. Espectadores de todo el mundo pudieron ver la operación y hacer preguntas, que ORLAN respondió en directo en cuanto la operación lo permitió. Entre los participantes en la transmisión vía satélite en el Centro Georges Pompidou se encontraban Gladys Fabre, Jean-Paul Fargier, Christian Vanderborght y François Barré, Presidente del Centro.

LA RÉINCARNATION DE SAINTE-ORLAN OU IMAGES NOUVELLES-IMAGES DITES OPÉRATIONS-CHIRURGICALES-PERFORMANCES, es una serie de 9 performances creadas por ORLAN entre 1990 y 1993 en París, Bruselas y Nueva York. ORLAN creó esta serie para desviar a la cirugía de sus hábitos de mejora y rejuvenecimiento, y realizar operaciones quirúrgicas que no debían aportar belleza, sino fealdad, monstruosidad e indestructibilidad. 

La idea central de estas operaciones quirúrgicas era luchar contra los estereotipos y los modelos. ORLAN no está en contra de la cirugía estética, sino de lo que hacemos de ella. Utiliza esta técnica para inventar el amor propio atacando la máscara de lo innato. La primera condición con los diferentes cirujanos fue que no hubiera dolor, porque ORLAN está a favor del Cuerpo-Placer. Para cada actuación, ORLAN decoraba el quirófano, que se convertía así en su estudio de artista. Al igual que todo el personal médico, se vistió con trajes de un diseñador de renombre que trabajó en colaboración con la artista. Las actuaciones estaban orquestadas por lecturas, y cuando el procedimiento quirúrgico lo permitía, ORLAN producía imágenes, películas, vídeos, fotos, dibujos con su sangre y sus dedos, relicarios con su grasa y su carne, una especie de “sábana santa” hecha con su sangre seca y las gasas médicas de la operación sobre las que hacía transferencias fotográficas, y objetos que luego se exponían en museos y galerías.

LA RÉINCARNATION DE SAINTE-ORLAN OU IMAGES NOUVELLES-IMAGES DITES OPÉRATIONS-CHIRURGICALES-PERFORMANCES, es una serie de 9 performances creadas por ORLAN entre 1990 y 1993 en París, Bruselas y Nueva York. ORLAN creó esta serie para desviar a la cirugía de sus hábitos de mejora y rejuvenecimiento, y realizar operaciones quirúrgicas que no debían aportar belleza, sino fealdad, monstruosidad e indestructibilidad. 

La idea central de estas operaciones quirúrgicas era luchar contra los estereotipos y los modelos. ORLAN no está en contra de la cirugía estética, sino de lo que hacemos de ella. Utiliza esta técnica para inventar el amor propio atacando la máscara de lo innato. La primera condición con los diferentes cirujanos fue que no hubiera dolor, porque ORLAN está a favor del Cuerpo-Placer. Para cada actuación, ORLAN decoraba el quirófano, que se convertía así en su estudio de artista. Al igual que todo el personal médico, se vistió con trajes de un diseñador de renombre que trabajó en colaboración con la artista. Las actuaciones estaban orquestadas por lecturas, y cuando el procedimiento quirúrgico lo permitía, ORLAN producía imágenes, películas, vídeos, fotos, dibujos con su sangre y sus dedos, relicarios con su grasa y su carne, una especie de “sábana santa” hecha con su sangre seca y las gasas médicas de la operación sobre las que hacía transferencias fotográficas, y objetos que luego se exponían en museos y galerías.

LA RÉINCARNATION DE SAINTE-ORLAN OU IMAGES NOUVELLES-IMAGES DITES OPÉRATIONS-CHIRURGICALES-PERFORMANCES, es una serie de 9 performances creadas por ORLAN entre 1990 y 1993 en París, Bruselas y Nueva York. ORLAN creó esta serie para desviar a la cirugía de sus hábitos de mejora y rejuvenecimiento, y realizar operaciones quirúrgicas que no debían aportar belleza, sino fealdad, monstruosidad e indestructibilidad. 

La idea central de estas operaciones quirúrgicas era luchar contra los estereotipos y los modelos. ORLAN no está en contra de la cirugía estética, sino de lo que hacemos de ella. Utiliza esta técnica para inventar el amor propio atacando la máscara de lo innato. La primera condición con los diferentes cirujanos fue que no hubiera dolor, porque ORLAN está a favor del Cuerpo-Placer. Para cada actuación, ORLAN decoraba el quirófano, que se convertía así en su estudio de artista. Al igual que todo el personal médico, se vistió con trajes de un diseñador de renombre que trabajó en colaboración con la artista. Las actuaciones estaban orquestadas por lecturas, y cuando el procedimiento quirúrgico lo permitía, ORLAN producía imágenes, películas, vídeos, fotos, dibujos con su sangre y sus dedos, relicarios con su grasa y su carne, una especie de “sábana santa” hecha con su sangre seca y las gasas médicas de la operación sobre las que hacía transferencias fotográficas, y objetos que luego se exponían en museos y galerías.

LA RÉINCARNATION DE SAINTE-ORLAN OU IMAGES NOUVELLES-IMAGES DITES OPÉRATIONS-CHIRURGICALES-PERFORMANCES, es una serie de 9 performances creadas por ORLAN entre 1990 y 1993 en París, Bruselas y Nueva York. ORLAN creó esta serie para desviar a la cirugía de sus hábitos de mejora y rejuvenecimiento, y realizar operaciones quirúrgicas que no debían aportar belleza, sino fealdad, monstruosidad e indestructibilidad. 

La idea central de estas operaciones quirúrgicas era luchar contra los estereotipos y los modelos. ORLAN no está en contra de la cirugía estética, sino de lo que hacemos de ella. Utiliza esta técnica para inventar el amor propio atacando la máscara de lo innato. La primera condición con los diferentes cirujanos fue que no hubiera dolor, porque ORLAN está a favor del Cuerpo-Placer. Para cada actuación, ORLAN decoraba el quirófano, que se convertía así en su estudio de artista. Al igual que todo el personal médico, se vistió con trajes de un diseñador de renombre que trabajó en colaboración con la artista. Las actuaciones estaban orquestadas por lecturas, y cuando el procedimiento quirúrgico lo permitía, ORLAN producía imágenes, películas, vídeos, fotos, dibujos con su sangre y sus dedos, relicarios con su grasa y su carne, una especie de “sábana santa” hecha con su sangre seca y las gasas médicas de la operación sobre las que hacía transferencias fotográficas, y objetos que luego se exponían en museos y galerías.

Para escapar del territorio del padre, tienes que cambiar de piel. ORLAN decidió entonces experimentar con formas nuevas y múltiples, en una línea humorística y distanciada. ORLAN está a favor de las identidades cambiantes, mutantes, nómadas, no fijas.

En esta serie, ORLAN luce un atuendo diferente en cada foto, así como un sombrero que va desde un quepis hasta una mitra, sin olvidar una gorra y una cabeza de burro.

Joël Savary, director del Centre D’Hérouville Saint-Clair, que le había invitado a participar en una gran exposición, posó disfrazado de mecánico de taller con una enorme llave de 12 pulgadas en el bolsillo del pantalón para imitar una erección. Sujeta la falda de ORLAN mientras ella es elevada en un ascensor. Después de esta serie, ORLAN no volvió a utilizar iconografía judeocristiana.

ORLAN decidió ver qué ocurría haciendo lo mismo al otro lado de la humanidad, reproduciendo la obra, incluidas sus dimensiones y encuadre, en forma fotográfica. Allí presentó a Jean-Christophe Bouvet, un actor que había aparecido en “Sous le soleil de Satan” con Gérard Depardieu, con la polla,  de tamaño medio, erecta. ORLAN lo describe como “la cola del diablo”. 

Esta respuesta feminista cuestiona el papel de los hombres y las mujeres en nuestra sociedad y cómo están representados.

En 2022, a la vista de los acontecimientos actuales, ORLAN produjo una segunda versión de“El origen de la guerra“, treinta años después de la primera, utilizando un nuevo modelo.

LA RÉINCARNATION DE SAINTE-ORLAN OU IMAGES NOUVELLES-IMAGES DITES OPÉRATIONS-CHIRURGICALES-PERFORMANCES, es una serie de 9 performances creadas por ORLAN entre 1990 y 1993 en París, Bruselas y Nueva York. ORLAN creó esta serie para desviar a la cirugía de sus hábitos de mejora y rejuvenecimiento, y realizar operaciones quirúrgicas que no debían aportar belleza, sino fealdad, monstruosidad e indestructibilidad. 

La idea central de estas operaciones quirúrgicas era luchar contra los estereotipos y los modelos. ORLAN no está en contra de la cirugía estética, sino de lo que hacemos de ella. Utiliza esta técnica para inventar el amor propio atacando la máscara de lo innato. La primera condición con los diferentes cirujanos fue que no hubiera dolor, porque ORLAN está a favor del Cuerpo-Placer. Para cada actuación, ORLAN decoraba el quirófano, que se convertía así en su estudio de artista. Al igual que todo el personal médico, se vistió con trajes de un diseñador de renombre que trabajó en colaboración con la artista. Las actuaciones estaban orquestadas por lecturas, y cuando el procedimiento quirúrgico lo permitía, ORLAN producía imágenes, películas, vídeos, fotos, dibujos con su sangre y sus dedos, relicarios con su grasa y su carne, una especie de “sábana santa” hecha con su sangre seca y las gasas médicas de la operación sobre las que hacía transferencias fotográficas, y objetos que luego se exponían en museos y galerías.

La artista manipula una serie de accesorios, como cruces blancas, cruces negras, caballetes blancos, caballetes negros y bolas de cristal… Asume el papel de los materiales de construcción reales, los bloques de brisa, mientras que el fondo de la obra está compuesto por imitaciones de ladrillos de plástico pintados de amarillo, de modo que lo real “y” lo falso coexisten sin chocar. 

ORLAN levita sobre una pantalla de vídeo con las imágenes digitales de nuestro tiempo, mientras cita las esculturas de mármol de otra época. En esta serie, ORLAN subraya que no hay dicotomía entre las imágenes digitales actuales y las imágenes de esculturas plegadas que citan a Bernini. Las Madonnas blancas y negras están envueltas en skai, una piel sintética que parece mármol cuando se ilumina, evocando los cortinajes barrocos. ORLAN ha creado un vínculo entre lo “viejo” y lo “nuevo” a través de esta serie fotográfica, mostrando diferentes épocas en un mismo espacio-tiempo. Ha mezclado un vocabulario religioso con un vocabulario plástico laico para destacar la sensualidad subyacente en la iconografía religiosa, asumiendo la lección del Barroco, que no nos pide que elijamos entre el “bien” y el “mal”. El Barroco nos muestra a la Santa Teresa de Bernini disfrutando de la flecha del ángel en un éxtasis erótico. Lacan habló mucho de esto.

La artista manipula una serie de accesorios, como cruces blancas, cruces negras, caballetes blancos, caballetes negros y bolas de cristal… Asume el papel de los materiales de construcción reales, los bloques de brisa, mientras que el fondo de la obra está compuesto por imitaciones de ladrillos de plástico pintados de amarillo, de modo que lo real y lo falso coexisten sin chocar. 

ORLAN levita sobre una pantalla de vídeo con las imágenes digitales de nuestro tiempo, mientras cita las esculturas de mármol de otra época. En esta serie, ORLAN subraya que no hay dicotomía entre las imágenes digitales actuales y las imágenes de esculturas plegadas que citan a Bernini. Las Madonnas blancas y negras están envueltas en skai, una piel sintética que parece mármol cuando se ilumina, evocando los cortinajes barrocos. ORLAN ha creado un vínculo entre lo “viejo” y lo “nuevo” a través de esta serie fotográfica, mostrando diferentes épocas en un mismo espacio-tiempo. Ha mezclado un vocabulario religioso con un vocabulario plástico laico para destacar la sensualidad subyacente en la iconografía religiosa, asumiendo la lección del Barroco, que no nos pide que elijamos entre el “bien” y el “mal”. El Barroco nos muestra a la Santa Teresa de Bernini disfrutando de la flecha del ángel en un éxtasis erótico. Lacan habló mucho de esto.

El último día de la instalación antes de la demolición, ORLAN utilizó los elementos, en particular las columnas, para crear perspectivas de una gran representación. ORLAN hizo un llamamiento a través de la prensa para que niños de corta edad participaran en la representación. Ese día, ORLAN hizo firmar derechos de imagen a las familias de los niños y los vistió de putti, amores y querubines con pequeñas alas blancas, máscaras, lazos y largas trompetas… ORLAN iba vestido de Madonna cubierta de plumas de pavo real y pequeñas plumas blancas. 

La artista se colocó en lo alto de un podio móvil, que apartó para dejar pasar a los niños, simulando un parto metafórico. También tenía una efigie muy grande articulada como una marioneta con la que jugaba y hacía jugar a los niños.

ORLAN tomó muchas fotos que se utilizaron para instalaciones proyectadas en los techos. Antenne 2 también rodaba con Jacques Martins.

En la instalación, la entrada estaba decorada con colgaduras artísticamente drapeadas rematadas con una foto en blanco y negro de Sein unique, Monstration phallique. Una vez dentro, los visitantes se enfrentaban a un teatro personal compuesto de elementos 3D reales, artificiales y virtuales: una estatua de resina de San Orlan, con un solo pecho desnudo y un dedo levantado al cielo, flores de plástico mezcladas con lirios y arums, un holograma que representaba un ángel y palomas vivas. Delante de la estatua se colocaron en el suelo placas de mármol reales y falsas y fotografías de ORLAN como Madonna, y una serie de columnas de la Ópera de Lyon formaban un semicírculo a su alrededor. Detrás de la estatua, había colocado un gran halo de espejos, en realidad un monitor de vídeo que mostraba el espacio y parte de su rostro esculpido, acentuando el efecto de perspectiva creado por la combinación de elementos arquitectónicos. El título hace referencia a su propia canonización irónica, a su apropiación del papel de Santa y a su propia designación de un lugar para este culto.

ORLAN tuvo que ser operado de urgencia. Mientras esperaba a la ambulancia, aún tuvo tiempo de subir a bordo a su equipo para filmar y fotografiar su operación. A continuación, las cintas de vídeo se llevaron una a una al festival y la operación se proyectó en la FNAC como si se tratara de una representación programada. ORLAN siempre ha pensado en la vida como un fenómeno estético que puede recuperarse, y ésta era una elección obvia. Esta operación fue decisiva en su carrera.

Con motivo de su residencia en el Getty Research Institute en 2007, ORLAN pidió a los eminentes investigadores que residían con ella ese año que le dieran un libro, o el título de un libro, que más hubiera influido en su pensamiento, su trabajo y su vida. La artista los colocó todos sobre un gran bloque de granito a la entrada, con las palabras “Getty Research Institute” grabadas en él, luego se tumbó junto a los libros y pidió a alguien que le quitara los que sobresalían de su cuerpo. Tras medirlos con su cuerpo, ORLAN los leyó continuamente y los anotó. ORLAN ha hecho esta performance varias veces en su vida, en distintos lugares y circunstancias, una performance del cuerpo en el corpus del libro.

Con motivo de su residencia en el Getty Research Institute en 2007, ORLAN pidió a los eminentes investigadores que residían con ella ese año que le dieran un libro, o el título de un libro, que más hubiera influido en su pensamiento, su trabajo y su vida. La artista los colocó todos sobre un gran bloque de granito a la entrada, con las palabras “Getty Research Institute” grabadas en él, luego se tumbó junto a los libros y pidió a alguien que le quitara los que sobresalían de su cuerpo. Tras medirlos con su cuerpo, ORLAN los leyó continuamente y los anotó. ORLAN ha hecho esta performance varias veces en su vida, en distintos lugares y circunstancias, una performance del cuerpo en el corpus del libro.

Con este gesto, ORLAN invita al otro a convertirse en ORLAN y se permite parecerse al otro. La artista se distancia del otro, al tiempo que se acerca a él. La artista y el invitado salen de su propio marco. 

ORLAN visitó varios pisos de una participante para comprobar si la ropa era acorde con su lugar de residencia, y siguió intercambiando ideas con la Otra.

En 1980, ORLAN viajó a Italia para estudiar el Barroco y comprender esta aversión. Este viaje de estudios le permitió identificar obras de gran importancia en la historia del arte. El Barroco ha sido una importante fuente de inspiración para ORLAN, que ha trabajado sobre este tema en  durante más de diez años en su importante serie Etude Documentaire: le Drapé-le Baroque.

La cultura judeocristiana nos pide que elijamos entre el bien “o” el mal. El Barroco invitó al artista a reflexionar sobre este “o” y a utilizar el “y”: el bien “y” el mal, porque en la obra de Bernini, que tanto la inspiró, nos muestra a Santa Teresa disfrutando de la flecha del ángel en un éxtasis erótico “y”. Jacques Lacan habló mucho de esto en su libro Encore. 

La mayoría de sus obras se basan en esta lección del Barroco.

En la otra, una fotografía en blanco y negro de tamaño natural de su torso, con una lámpara roja parpadeante colocada sobre su pecho y una flecha que señalaba la ranura por la que se veía caer la moneda de cinco francos por un esófago de plástico transparente hasta un pubis similar. La actuación duró 30 minutos, y 17 participantes tuvieron el privilegio de comprar un beso de artista.

Tuvo lugar en el Grand Palais y por esta suma, ORLAN dio un auténtico beso de artista, no un beso infantil sino un auténtico beso de artista. Beso francés… El resultado fue un gran escándalo mediático, hasta el punto de que la feria internacional de arte contemporáneo nunca ha tenido tantos artículos de prensa clasificados no como FIAC, sino como “el beso del artista”. ORLAN también ha sido invitado a aparecer en numerosos programas de televisión.

Como consecuencia, ORLAN fue despedida de la escuela donde impartía clases para formar a animadores socioculturales. Sus alumnos se declararon inmediatamente en huelga y crearon canciones a la gloria del “beso del artista” y a ella, exigiendo su reincorporación, que nunca se produjo… 

Siguió un periodo terrible en el que no tenía dinero, ni dónde dormir ni qué comer. Perdió su estudio y muchas de sus obras porque fueron precintadas. 

ORLAN aprueba por fin una oposición para ser profesor en una escuela de bellas artes de Dijon, y hay varios finales felices. La escultura fue adquirida por una colección pública, el FRAC des Pays de la Loire. Esta obra ha viajado por todo el mundo, incluido Estados Unidos en la exposición Wak, y fue encargada por la FIAC para su trigésimo aniversario. Estaba expuesta en la entrada, protegida por un cristal, y en la gran pared estaba escrito “Le Baiser de l’artiste l’oeuvre qui a le plus impactée l’histoire de la FIAC”.

ORLAN en Grande Odalisque d’Ingres es una fotografía en blanco y negro de la serie Tableaux vivants (1977-78), contrapartida del famoso cuadro de Jean-Auguste Dominique Ingres. Extracto independiente de una gran instalación presentada en la exposición Tendencias contemporáneas (1977) en el Espace Lyonnais d’Art Contemporain. La fotografía se reprodujo en diferentes formatos dispuestos en el espacio bajo almohadas cada vez más grandes, una del tamaño exacto del cuadro de Ingres, otra del tamaño del cuerpo de ORLAN, y otras 2 que superaban el tamaño del cuerpo y estaban fuera de toda proporción. 

Hechas con las sábanas del ajuar y supuestamente la representación física de la persona fotografiada, las almohadas y las fotografías se colgaban con ganchos de carnicero y orejas de plástico de las cuatro esquinas de las almohadas, guiñando juguetonamente las confidencias de la almohada. El objetivo de ORLAN con esta instalación era cuestionar la noción de escala inherente al medio fotográfico y poner en tela de juicio los accesorios femeninos estereotipados de la pintura de Ingres.

La policía intentó acusarla de exhibicionismo, pero fue imposible porque ORLAN iba vestida de pies a cabeza y llevaba sus documentos de identidad en el bolso. 

En el espacio público, los demás se enfrentan a la representación de su desnudez, sin que ella esté realmente desnuda. ORLAN pone de relieve esta misma laguna en la vida pública, donde otros se representan a sí mismos en lugar de presentarse. En este sentido, la performance actúa sobre el espacio real perturbando la relación con el otro y haciendo crítico el encuentro. ORLAN pretende acercarse al entorno, a los objetos que median en el encuentro con los demás, y crear desafiando la ley y perturbándola sin condenarla.

También había un cartel con los precios de las partes de su cuerpo donde estaba escrito “¿mi cuerpo me pertenece? “garantizado puro ORLAN sin colorantes ni conservantes”.

El objetivo era cuestionar el modo en que la representación fragmentaria transforma nuestra relación con la realidad. Esta cuestión de la cosificación y la fragmentación del cuerpo plantea interrogantes sobre el derecho a disponer del propio cuerpo en relación con el contexto histórico y social, y el derecho a vender la representación del propio cuerpo cuando vender el propio cuerpo está prohibido.

El concepto es ilustrar cómo la lectura ha permitido al artista erguirse, hablar alto y claro, con contenido gracias al conocimiento. Este planteamiento le permitió emanciparse de su clase social obrera, a menudo poco instruida, y alcanzar un nivel cultural e intelectual superior. Es el inicio de su reconstrucción interna.

La segunda serie, ORLAN de pie en su camisa de fuerza de libros, muestra cómo la lectura causa dolor e impide que el cuerpo se mueva. ORLAN se presenta con una estructura de madera que lleva como una prótesis corporal a la que ha pegado libros. Este gesto muestra el peso de la lectura sobre el cuerpo, sobre los hombros.

Al adoptar estas posturas, ORLAN aborda las representaciones culturales que inciden en la actitud, el espacio y el papel adoptados por las mujeres, así como el determinismo del formato parental, al tiempo que cuestiona la iconografía judeocristiana.

Aquí, la imagen de la mujer sublimada, incorpórea e icónica choca con el cuerpo de la artista.

ORLAN ha llamado a varias de sus series“ strip-tease ” porque cree que el strip-tease es imposible para las mujeres porque están vestidas de fantasías, comparaciones yprejuicios, que son la ropa que no pueden quitarse.

ORLAN  ha utilizado sábanas para estirarlas como un lienzo en una camilla, disfrazado de virgen y de madonna, pero también ha llevado sus sábanas a sus amantes para eyacular en lugares específicos de las sábanas. A continuación, cogió un pandero de costurera y estiró la sábana sobre la mancha de esperma, que había marcado con un lavado para que la mancha fuera lo más visible posible. A continuación, ORLAN bordó las sábanas con una aguja muy grande e hilo negro grueso. Esta representación se hizo en diferentes versiones, a veces con los ojos vendados, a veces mirando al público o con los ojos cerrados. El resultado fueron unos bordados muy toscos que a su madre no le habrían gustado nada.

A partir de esta performance, ORLAN creó una instalación compuesta por 7 fotos enmarcadas en una cara por un texto poético “reminiscencia del discurso materno” y en la otra, el pandero de la costurera con la mancha de esperma. Esta pieza fue adquirida por la FNAC.

También ha producido varias obras, a veces en forma de tríptico con el texto en el centro y dos fotos reflejadas, y a veces con fotos individuales presentadas por separado.