Esculturas

El fotógrafo Pim Schalkwijk, para una sesión de fotos, me pidió que eligiera un objeto en un mercadillo y compré una paloma blanca, que solté al cielo. Me pareció un gesto intenso y poético. Trabajé con los talleres de moldeado de la RMN para llevar a cabo este proyecto. Con la ayuda de un escáner 3D, hicieron un molde virtual de mi cuerpo, una matriz digital a partir de la cual crearon una reproducción fiel en polvo de mármol.

También había un cartel con los precios de las partes de su cuerpo en el que ponía: «¿Me pertenece mi cuerpo?» «Garantizado 100 % ORLAN, sin colorantes ni conservantes».

El objetivo era cuestionar el modo en que la representación fragmentaria transforma nuestra relación con la realidad. Esta cuestión de la cosificación y la fragmentación del cuerpo plantea interrogantes sobre el derecho a disponer del propio cuerpo en relación con el contexto histórico y social, y el derecho a vender la representación del propio cuerpo cuando vender el propio cuerpo está prohibido.

El robot, que tiene un generador de textos y otro de movimientos, habla con la voz de ORLAN, ya que ella grabó 22 000 palabras que luego se guardaron en archivos MP3 separados. La artista trabajó junto a Jean-Pierre Balpe, un auténtico pionero que subió a su página web un generador de texto de código abierto. La instalación estaba compuesta por el robot y dos grandes pantallas LED con vídeos. Uno de los vídeos era una obra de teatro sobre el deep learning; los demás consistían en actuaciones grabadas que cuestionaban nuestra época: «Tengo hambre, tengo sed, pero podría ser peor», «No, nena, no, ¿dónde están los ecologistas?» y «Petición contra la muerte».

Es una obra que refleja su interés por la hibridez, el cuerpo-máquina, la escultura y la interactividad.

La instalación técnica en el Grand Palais corrió a cargo de Nicolas Gaudelet (Voxels Productions). 

ORLAN trabaja actualmente con RASPIAUDIO para desarrollar el robot en vísperas de su exposición retrospectiva en el SESC Paulista de São Paulo (Brasil), comisariada por Alain Quemin.

En esta obra, combina dos imágenes que para ella eran fundamentales en Lieja: la excavadora y ella misma, evocando la Estatua de la Libertad. Te muestra una botella llena de la tierra que en su día se había acumulado en su vestido blanco.  

ORLAN quiso crear vestidos sin cuerpo, mostrados en una pasarela que pasaba entre las columnas góticas como si fuera un desfile de moda, con cuatro esculturas realizadas sin moldes. Se parecen a los vestidos pero tienen un aspecto superficial diferente, lo que plantea la cuestión de la copia y la clonación, la diferencia y la repetición. La serie se realizó sin moldes, por lo que cada escultura es única y posee una identidad propia con infinitos matices. Pero si se mira de cerca, se puede ver que cada pliegue tiene curvas y tensiones diferentes, y que algunos pliegues son muy orgánicos, como el gran pliegue frontal que parece una vulva enorme.

Vinculan las épocas (del Gótico al Barroco pasando por el Pop Art) y la permanencia de las representaciones. El cuerpo ausente es a la vez el de las monjas que se alojaban en la abadía, el del artista y el de las modelos que actuaban en los desfiles de moda.  

Tras Baiser de l’artiste, la emblemática performance de ORLAN en la FIAC de 1976, estas cuatro piezas estigmatizan las representaciones estereotipadas de la mujer. Nos recuerdan, a través del principio del CUERPO-ESCULTURA, explotado desde hace tiempo en la obra de ORLAN, que el cuerpo es eminentemente político. Para el artista, este cuerpo puede y debe convertirse en el lugar donde se expresa la libertad del individuo y donde estas diferencias se encarnan sin limitaciones.

En la instalación, las partes luminosas de la escultura reaccionan a la presencia de los visitantes. Cuando el público llega a una de las tres zonas luminosas de la instalación, la programación lumínica de la escultura cambia. La interacción se basa en el contraste entre la respiración orgánica y viva de la escultura y la superficie agitada del suelo, decorada con motivos de átomos de coltán. Este mineral, que se usa en electrónica, es un nuevo recurso cuya explotación es a la vez fuente de riqueza y de conflictos geopolíticos muy importantes, de ahí su presencia como joyas en el cuerpo de la escultura y como elementos de inestabilidad en el zócalo.

La cultura judeocristiana nos pide que elijamos entre el bien “o” el mal. El Barroco invitó al artista a reflexionar sobre este “o” y a utilizar el “y”: el bien “y” el mal, porque en la obra de Bernini, que tanto la inspiró, nos muestra a Santa Teresa disfrutando de la flecha del ángel en un éxtasis erótico “y”. Jacques Lacan habló mucho de esto en su libro Encore.  

La mayoría de sus obras se basan en esta lección del Barroco.

El concepto es ilustrar cómo la lectura ha permitido al artista erguirse, hablar alto y claro, con contenido gracias al conocimiento. Este planteamiento le permitió emanciparse de su clase social obrera, a menudo poco instruida, y alcanzar un nivel cultural e intelectual superior. Es el inicio de su reconstrucción interna.

La segunda serie, ORLAN de pie en su camisa de fuerza de libros, muestra cómo la lectura causa dolor e impide que el cuerpo se mueva. ORLAN se presenta con una estructura de madera que lleva como una prótesis corporal a la que ha pegado libros. Este gesto muestra el peso de la lectura sobre el cuerpo, sobre los hombros.

Es una materialización de ORLAN-CORPS. Se trata de un listón de madera del tamaño de la cintura de ORLAN. Por un lado, la inscripción en letras rojas grabadas en negro “UN ORLAN-CORPS” y, por el otro, diez representaciones de ORLAN blandiendo el líquido de enjuague…

ORLAN expone este ORLAN-CORPS sobre un gran zócalo blanco, conservado y sacralizado en una campana de plexiglás.

Se trata de una serie de fotografías en blanco y negro basadas en fotografías etnográficas, las primeras en las que se fotografía al Otro. ORLAN también ha realizado varias obras en color, así como esculturas en resina de personajes mutantes, expuestas especialmente en la Bienal de Arte Contemporáneo de Lyon en 1999: “Partage d’exotismes”, comisariada por Jean-Hubert Martin.

En su serie, ORLAN crea una obra manifiesta “Femme Surmas avec Labret et Visage de Femme Euro-Stéphanoise avec bigoudis” (Mujer Surmas con Labret y Rostro de Mujer Euro-Stephanoise con Rizos) que demuestra que la belleza es sólo una cuestión de la ideología dominante en un lugar histórico y geográfico. 

ORLAN nos muestra a una mujer con un labret enorme, muy segura de sí misma y de su poder de seducción, ya que en su tribu, cuanto más grande es el labret, más deseable es la mujer. ¡Si lleváramos un labret aquí y ahora, en nuestra cultura occidental, todo el mundo nos tacharía de «monstruos imposibles de besar»!

La Capilla, que era a la vez una instalación y un lugar de actuación, funcionaba como una obra de arte cuando el artista no estaba y como un decorado pensado para la actuación final. La entrada estaba decorada con cortinas artísticamente drapeadas y coronadas por una foto en blanco y negro titulada «Sein unique, Monstration phallique». Una vez dentro, te encontrabas con un teatro personal formado por elementos reales, artificiales y virtuales en 3D: flores de plástico mezcladas con lirios y arum, un holograma de un ángel y palomas vivas. En el suelo, delante de la estatua, había placas de mármol auténtico y falso con fotografías de ORLAN como la Virgen, y una serie de columnas de la Ópera de Lyon formaban un semicírculo a su alrededor. Detrás de la estatua, había colocado una gran aureola formada por espejos, que en realidad era un monitor de vídeo que mostraba el espacio y parte de su rostro esculpido, acentuando el efecto de perspectiva creado por la combinación de los elementos arquitectónicos. El título hace referencia a su propia canonización irónica, a cómo se apropia del papel de la santa y a cómo ella misma designa un lugar destinado al culto de lo verdadero y lo falso, mezclando lo vivo y lo artificial.

Tras medir el espacio determinado con su cuerpo tumbándose en el suelo y trazando una línea con tiza detrás de la cabeza, y contar después las veces que su cuerpo queda contenido en ese espacio, busca agua, se quita el vestido y lo lava en público. Toma muestras de esta agua sucia, que introduce en botellas que luego etiqueta, numera y sella con cera para hacer una pequeña edición con una foto del hallazgo.

A continuación, ORLAN expone estas muestras en galerías y museos, junto con los hallazgos, fotografías y vídeos, placas conmemorativas, la efigie a tamaño natural de la última pose, el vestido y el semental ORLAN-CORPS, todas ellas reliquias concretas de estos momentos efímeros. Estas actuaciones vuelven a poner el cuerpo en juego. En la vida no se tiene un solo cuerpo, sino muchos cuerpos diferentes.

Estas dos efigies “custodian” un ORLAN-CORPS expuesto sobre un pedestal y preservado por una campana de plexiglás.

El protocolo de MesuRAGEs es muy preciso: ORLAN se pone un vestido confeccionado con las sábanas de su ajuar, siempre el mismo hasta que se desgasta, completo o casi completo. Después de medir el espacio determinado utilizando su cuerpo tumbándose en el suelo y trazando una línea de tiza detrás de su cabeza, se da la vuelta, se arrastra hacia delante y, a continuación, cuenta el número de veces que su cuerpo está contenido en este espacio utilizando su unidad de medida ORLAN-CORPS, contando en voz alta con varios testigos. Al final, coge agua, se quita el vestido y lo lava en público, luego guarda el agua sucia del vestido en un recipiente de cristal.

A continuación, ORLAN expone estas muestras en galerías y museos, junto con los hallazgos, fotografías y vídeos, placas conmemorativas, la efigie a tamaño natural de la última pose, el vestido y el semental ORLAN-CORPS: todas ellas reliquias y pruebas concretas de estos momentos efímeros. Estas actuaciones vuelven a poner el cuerpo en juego.

La cultura judeocristiana nos pide que elijamos entre el bien “o” el mal. El Barroco invitó al artista a reflexionar sobre este “o” y a utilizar el “y”: el bien “y” el mal, porque en la obra de Bernini, que tanto la inspiró, nos muestra a Santa Teresa disfrutando de la flecha del ángel en un éxtasis erótico “y”. Jacques Lacan habló mucho de esto en su libro Encore.  

La mayoría de sus obras se basan en esta lección del Barroco.

En la otra, una fotografía en blanco y negro a tamaño natural de su torso, con una luz roja parpadeante sobre el pecho y una flecha que señalaba la hendidura por la que se veía caer la moneda de cinco francos por un esófago de plástico transparente hasta un pubis similar.  

Todo pasó en el Grand Palais y, por esa cantidad, ORLAN te dio un auténtico beso de artista, no un besito infantil, sino un beso con lengua…El resultado fue un escándalo mediático enorme, hasta tal punto que la Feria Internacional de Arte Contemporáneo nunca había tenido tantos artículos de prensa clasificados no como «FIAC», sino como «el beso de la artista». ORLAN también fue invitada a muchos programas de televisión.

Como consecuencia, ORLAN fue despedida de la escuela donde impartía clases para formar a animadores socioculturales. Sus alumnos se declararon inmediatamente en huelga y crearon canciones a la gloria del “beso del artista” y a ella, exigiendo su reincorporación, que nunca se produjo…  

Siguió un periodo terrible en el que no tenía dinero, ni dónde dormir ni qué comer. Perdió su estudio y muchas de sus obras porque fueron precintadas.  

ORLAN aprueba por fin una oposición para ser profesor en una escuela de bellas artes de Dijon, y hay varios finales felices. La escultura fue adquirida por una colección pública, el FRAC des Pays de la Loire. Esta obra ha viajado por todo el mundo, incluido Estados Unidos en la exposición Wak, y fue encargada por la FIAC para su trigésimo aniversario. Estaba expuesta en la entrada, protegida por un cristal, y en la gran pared estaba escrito “Le Baiser de l’artiste l’oeuvre qui a le plus impactée l’histoire de la FIAC”.

A continuación, ORLAN expone estas muestras en galerías y museos, junto con los hallazgos, fotografías y vídeos, así como placas conmemorativas, la efigie a tamaño natural de la última pose, el vestido y el semental ORLAN-CORPS, todas ellas reliquias concretas de estos momentos efímeros. Estas actuaciones vuelven a poner el cuerpo en juego.  

El vestido se expone y se introduce en una caja entre dos mamparas de cristal o plexiglás.

Casi toda la obra de ORLAN puede leerse a través del prisma del vestido, el traje y el travestismo. La ropa es mejor interfaz para el artista que la piel. No puedes elegir tu piel, pero gracias a la ropa puedes crear una segunda piel, una tarjeta de visita que refleje quién eres, la imagen que quieres proyectar, tu cultura y tus gustos.

En esta obra, Botticelli utilizaba pinceles para realizar los retoques de belleza que se hacen actualmente en Photoshop: eliminar arrugas, pelos, manchas, poros, etc. ORLAN utilizaba este software para deconstruir la belleza que Botticelli había creado. Es una foto en blanco y negro de su cuerpo pegada a madera y cortada a escala 1.